A lo largo de su dilatada y exitosa trayectoria los Who han convertido en tendencia los primeros avances que Dave Davies y The Kinks habían aportado en materia de amplificación y distorsión, han cambiado por completo la iconografía y el sentido del espectáculo de los conciertos y han creado la Ópera Rock y popularizado los discos conceptuales.

Para 1971, debido a discrepancias creativas dentro de la banda y a la complejidad del proyecto se echa atrás Life House que estaba destinado a convertirse en una nueva Ópera Rock tras el éxito de Tommy. En su lugar se publica un álbum de Rock mucho más desnudo y visceral en cuya portada aparecen los Who al pie de un monolito de cemento en el que acaban de mear. Es el Who’s Next, un disco que ya desde la primera nota de la primera canción deja bien claro sus intenciones, abriendo con Baba O’Riley -hoy en día popularizada y descontextualiza como opening de CSI New York- y lo que suena es un sintetizador, un instrumento practicamente experimental en aquel momento.

El cerebro de un puto genio como el narigón Townshend siempre está en ebullición y aunque Who’s Next es un retorno al Rock más convencional ni mucho menos significa un estancamiento. Y, precisamente, prueba de ello es este novedoso y mesurado uso que se hace del sintetizador. Pete apenas lo utiliza como un simple contrapunto a la agresividad de su guitarra pero incluso esto es un acierto y lo conviertirá en todo un precursor.

La ya citada Baba O’Riley, Bargain, Behind Blue Eyes o Baby Don’t You Do It son algunos de los temas más brillantes de este (IMPRESCINDIBLE!!) Who’s Next. Pero sobre todos ellos destaca el increíble Won´t Get Fooled Again -también alienado como intro de CSI Miami- en el que los Who se muestran predispuestos a luchar en las peleas más cotidianas en una canción descarnada que merece estar considerada entre los grandes logros de una banda que jamás ha recibido ni recibirá todo el reconocimiento que se merece.

Un último comentario: con apenas unos meses de diferencia con este Who’s Next se publicaron dos muy buenos trabajos en solitario de Entwistle -el Smash You Against The Wall- y de Townshend -el Who Came First-; son dos magníficos discos que merece la pena escuchar y que pone bien al descubierto la disparidad creativa entre ambos músicos que provocó alguna que otra controversia dentro de la banda como la que mandó a la mierda un proyecto tan ambicioso como el Life House.

¿Qué coño le pasa a Roger Waters? A sus 33 años es rico, famoso y el pilar principal de una de las bandas más grandes que ha parido el Rock. Sin embargo su matrimonio ha fracasado y Pink Floyd empieza a resquebrajarse al pretender convertirla en su banda de acompañamiento. Se ha autoproclamado lider del grupo y de alguna manera se ve a sí mismo como el legítimo heredero de la creatividad, de la filosofía y de la locura de Syd Barrett.

Conmocionado por su propio comportamiento en Montreal y con síntomas mas que evidentes de una demencia megalomaníaca Waters se entrega en cuerpo y alma en  la creación de The Wall, un ambicioso y personalísimo proyecto que se convertirá en el último gran disco de Pink Floyd.

The Wall es un disco doble en el que Waters plasma sus miedos, sus complejos, su culpabilidad, toda la frustración que siente sobre el escenario al ser consciente del infranqueable muro que le separa como artista del espectador que contempla su artificial obra completamente deshumanizada por la mediatización. “Son los problemas de Waters, no los nuestros” -dirá Gilmour.

El disco llega al nº1 en USA y ahí se mantiene durante 15 semanas. En el Reino Unido alcanza el puesto 3 pero nadie admitirá haberse comprado un disco de quienes la invasión Punk ha catalogado como “decrépitos dinosaurios del Rock”.

Tal vez el tema más popular del disco sea Another Brick In The Wall (part 2) -que con su ritmo inquietante y su coro de niños alcanza el nº1 en la navidad de 1979- pero el disco está plagado de otros momentos igual de memorables como In The Flesh?, Run Like Hell, Mother, Another Brick In The Wall (part 1) y sobre todo la excelente Comfortably Numb, posiblemente la mejor canción de toda la discografía de Pink Floyd.

Compuesta por un Gilmour bastante marginado en la función creativa y pulida por Waters quien además escribió la letra, Comfortably Numb narra un pasaje que comienza en plena sobredosis de Pink, con la voz del doctor -voz de Roger Waters- pidiéndole que si puede oírle responda con la cabeza. El médico trata de tranquilizar al artista para administrarle una inyección que le permitirá aguantar en pie durante toda la actuación pero Pink no le escucha, simplemente relata -con la voz de  David Gilmour- una sarta de incoherencias  que en ese momento le salen de muy adentro.  Habla de su infancia, de recuerdos y de fantasías incumplidas que han derivado en un sujeto traumatizado y completamente alienado. Melodía preciosista. Ritmo inquietante. Buen solo a mitad de canción. Sencillamente grandioso el del final. Una de esas canciones que uno jamás se cansa de escuchar y que incluso ganan con el paso del tiempo.

Dos años después de su estreno, The Wall se verá apoyada con un ambicioso largometraje, simbolista, estilizante pero efectivo, realizado por Alan Parker y con Bob Geldof en el papel de Pink, el personaje que encarna los aspectos más psicóticos de la personalidad de Waters. Por cierto, Pink Floyd no aparece en la película al parecer por desavenencias entre Alan Parker y… y … bueno, ya os imaginais quién.

En este punto decidieron simplemente no salir más de gira y dedicarse exclusivamente a trabajar en sus discos de estudio. Ni siquiera lo hicieron público.

Lennon se fue a Almería a rodar How I Won The War (aprovechando los descansos para componer la extraordinaria Strawberry Fields Forever). Paul compuso junto a George Martin la banda sonora para la película The Family Way que obtuvo varios premios. Harrison se concedió su famoso retiro espiritual en la India. Ringo… bueno, Ringo creo que no hizo nada especial. Los periódicos especulaban sobre su posible separación, sacaban editoriales insinuando una presunta crisis de creatividad. El espectacular single de Penny Lane / Strawberry Fields Forever no alcanzó el número 1 de inmediato. Había sido superado por el Release Me de Engelbert Humperdinck y aquello era algo totalmente inusual, impensable  (paradógico, más bien: los Beatles llevaban una larga ristra de nº1 de salida consecutivos y esta racha se vio truncada con el que posiblemente sea su mejor single).

Fueron momentos de incertidumbre que simplemente quedaron en nada un día de 1967 en el que en las tiendas de discos de todo el mundo apareció una de las grandes portadas de la historia del Rock: la del Sargent Pepper Lonely Hearts Club Band. Un auténtico golpe maestro.

La idea del disco comenzó simplemente con la idea de crear una banda ficticia con un nombre larguísimo tal y como se llevaba por aquel entonces en los USA. Se quiso crear una especie de Ópera Rock pero esto sólo se consiguió a medias pues sólo los primeros y los últimos temas del disco estaban realmente conectados (aunque hay todavía quien considera al Sargent Pepper como el primer disco conceptual de la historia).

El disco está plagado de auténticos monstruos que borran definitivamente y por completo la imagen ye-yé de los Beatles de antaño. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, With a Little Help from My Friends, Lucy in the Sky with Diamonds, Being for the Benefit of Mr. Kite!, y sobre todo A Day in the Life. Un disco absolutamente imprescindible a la hora de conocer y entender el Rock y el Pop de una época memorable.

No es (ni mucho menos) el mejor disco de los Beatles. Creo que Abbey Road, Rubber Soul, Revolver, Magic Mistery Tour e incluso el llamado “Album Blanco” están (musicalmente) un peldaño por encima pero el Sargent Pepper tiene un punto de innovación, de absoluta revolución, de crear un “antes” y un “después”, de cambiar para siempre el Pop, de proyecto redondo culminado por una de las portadas más legendarias de la historia -miles de veces imitada y homenajeada-, que lo envuelven en un halo místico  y que lo convierten en un hito casi irrepetible.

A Day In The Life es una gran turbulencia que surge de la inspiración de Lennon leyendo los periódicos. En la portada de un diario se hablaba de la muerte de Tara Browne, amigo suyo.  En otro se incluía un artículo llamado “Far and Near” en el que se criticaba el mal estado de la calzada en Blackburn. A partir de eso John elabora una melodía y junta a los demás miembros. Da sus instrucciones y comienza a marcar el ritmo con su Sugar-plum Fairy!. La voz de Lennon suena sublime, de poner los pelos de punta. Magistral como pocas veces. I read the news today (oh boy!) about a lucky man who made the grade. And though the news was rather sad, well, I just had to laugh… Cada una de las estrofas cantadas por John sigue la misma estructura pero termina de manera distinta.

Es entonces cuando se entona el célebre I’d love to turn you on y a partir de él se crea un puente en forma de larguísimo y caótico glissando de 24 compases en el que los músicos de orquesta contratados improvisan individualmente un angustioso crecendo, con la única referencia del tono inicial y del final. Mientras, Ringo va contando los compases uno por uno … six! … seven! … eight! … con los platillos sonando arrítmicamente. Finalmente un despertador señala el momento en el que los instrumentos entran en la nueva melodía, la de McCartney.

Woke up, fell out of bed, dragged a comb across my head, found my way downstairs and drank a cup and looking up I noticed I was late… Al principio estas líneas eran un proyecto de canción que parecía condenado a convertirse en una idea difusa y olvidada. Fue Lennon quien insistió en unirla a su composición ante el escepticismo del propio Paul.

El desenlace de este tramo es un pasaje en el que John simplemente acompaña con su voz el nuevo puente que crea la orquesta y que sirve para regresar a la estructura inicial. I read the news today (oh, boy!). Four thousand holes in Blackburn, Lancashire. And though the holes were rather small they had to count them all. Now they know how many holes it takes to fill the Albert Hall…

Ahí se vuelve a entonar el explícito I’d love to turn you on que nos encauza directamente a un segundo crescendo que culmina con  uno de los acordes de piano más famosos: un Mi Mayor ejecutado simultáneamente por tres pianos y un armonio que cierra la canción prolongándose en el tiempo y en la memoria, como una nube de polvo en suspensión tras una gran explosión.

Sin duda, uno de los grandes momentos de la historia de la música, que es imposible de describir con precisión y justicia. Así que lo mejor es escucharlo y disfrutarlo.

Sin embargo, desde dentro del propio Punk emerge la New Wave, un movimiento insurgente que ni quiere romper completamente con el pasado ni cree en el No Future, que no teme la nostalgia ni está dispuesto a renunciar a las melodías elaboradas. Bandas como The Jam o The Pretenders no dudan en reconocer la gran influencia que los Kinks ejercen sobre su música. Incluso un género como el Ska que hasta este momento apenas ha tenido repercusión internacional, protagoniza una gloriosa resurrección de la mano de Madness y de The Specials.

Pero no simplifiquemos tanto. La New Wave no se reduce a un simple y nostálgico revival. A ese respeto y veneración por el pasado le une lo apasionado de un mensaje reivindicativo que cala muy hondo en la juventud. El rock pierde garra, recupera su forma e imagen más Pop y hereda la profundidad y compromiso del Folk y del Reggae.

Talking Heads y, sobre todo, The Police serán los máximos exponentes de un género cuyas diferentes ramificaciones marcarán tendencia en los 80´s y por el que  también pasarán en mayor o menor medida bandas de la talla de Blondie, Elvis Costello, U2, Depeche Mode, B-52´s, Joy Division, The Cure, …

The Police surge en pleno huracán Punk. Mezclan Rock, Jazz y Reggae pero con el tiempo serán catalogados como leyendas del Pop. El peculiar estilo de Andy Summers con la guitarra y la voz de Sting (blanca y poco potente pero dotada de un timbre original y de una amplitud impresionante) se convierten en el sello personal de su inimitable sonido.

Sus fans los consideran el mejor grupo de la historia. Los críticos de la época lo creen. La industria discográfica también lo cree. Incluso ellos mismos están de acuerdo con ello. Desde Beatles y Rolling Stones ningúna banda ha obtenido una opinión favorable tan unánime. La carrera de The Police es, simplemente perfecta. Es una espectacular bengala de mil brillos que incluso se desvanecerá en el momento oportuno, en pleno apogeo y de la forma menos traumática.

Debutaron en el ´78 con Outlandos dÁmour que incluía temas tan variados como So Lonely (la mejor canción del disco), Next To You, Peanuts (velado ataque a la exagerada frivolidad de Rod Stewart), Can´t Stand Losing You (clasicazo de la banda) o Roxanne.

Roxanne, la  legendaria canción de amor a una protistuta francesa que toma el nombre de un personaje de Cyrano de Bergerac, es un tema tan original y complejo que ni siquiera hay acuerdo para catalogarlo como Reggae, Bossa Nova o Tango. Resulta curioso como guitarra, percusión y voz interpretan melodías independientes (casi contradictorias) con las pausas y el estribillo como  lugares de encuentro, pero sin que la canción llegue a tambalearse en ningún momento. Como curiosidad, a los pocos segundos de iniciarse la canción se oye de fondo como Sting se cae sobre los teclados y la posterior y consecuente carcajada.

La BBC y la casi totalidad de emisoras inglesas censuran a Roxanne y hay que esperar al éxito de Can´t Stand Losing You para reeditarla y que definitivamente se convierta en uno de los temas más carismáticos de una banda que hasta su silenciosa desaparición en 1983 no hará más que publicar exitazo tras exitazo: Message In A Bottle y Walking On The Moon en el Reggatta De Blanc, Don’t Stand So Close To Me y De DoDoDo De DaDaDa en el Zenyatta Mondatta, Every Little Thing She Does Is Magic e Invisible Sun en el Ghost In The Machine, Wrapped Around Your Finger y, por encima de todas, Every Breath You Take en el postrero Synchronicity…

Finalmente, en 1985 Sting publica The Dream Of The Blue Turtles, su primer disco en solitario y esto, en cierto modo, supone un implícito certificado de defunción para The Police. Una vez más, el sueño se ha acabado.

La singularidad de una banda compuesta únicamente de un guitarrista y un batería hizo pensar a muchos que tras su exagerada y casi caricaturesca imagen nerd se ocultaban unos vulgares imitadores de la exitosa fórmula de The White Strippes. Craso error. Nada tenía que ver el minimalismo extremo de la (mini)banda de Jack y Meg White con aquel sucio y áspero blues garajero que apestaba descaradamente a tabaco con tropezones y a malas hierbas.

Ocho años más tarde, a mediados de 2010 The Black Keys publican Brothers, su sexto album; un album que yo considero (de lejos) el mejor disco del último lustro.

En Brothers nos encontramos a unos Black Keys muy diferentes de los que conocimos con aquel rudimentario The Big Come Up grabado con un arcaico 8-pistas. En este disco Auerbach y Carney mezclan  Blues y Soul a partes iguales y lo aderezan con sutiles y esporádicas dosis de Glam, de Funk y de otros venenos igualmente letales. Con esta original receta logran despojarse por fin de esa incómoda etiqueta de “Revivalistas-del-Blues” con el que los teníamos catalogados. Ya apenas queda gran cosa del Blues descacharrado de Thickfreakness o de Rubber Factory (su mejor disco hasta la publicación de Brothers). Los Black Keys ya se han labrado un nombre en este mundillo y han consiguido los suficientes medios para que la labor de producción sea aún mejor que en Magic Potion y que en Attack & Release. Y por supuesto, lo más importante es que dudosos proyectos como el Blak Roc son ya cosa de un anecdótico y sonrojante pasado.

Tal vez lo más increíble es que pese a las monstruosas diferencias siguen sonando a ellos mismos. Uno escucha Sinister Kid o Next Girl (qué bien suenan ambas!) y reconoce de inmediato a los Black Keys de toda la vida. Como recientemente le escuché decir al larguirucho Carney, “ahora no nos importa tocar lo que sea con el instrumento que sea. Siento que hagamos lo que hagamos -sea un disco de HipHop o de Funk- acabará sonando a The Black Keys… hace 8 años sólo podíamos aspirar a fingir que sabíamos tocar Funk“

Brothers es un disco inmenso en el que duele escoger una canción y descartar las demás. He escogido la galardonada Tighten Up para titular el post pero perfectamente podría haber escogido Unknown Brother o The Only One (mis dos favoritas) o la melancólica These Days o Never Gonna Give You Up -un (magnífico) cover del clásico de Jerry Butler- o Ten Cent Pistol (otra gran debilidad personal) o el fascinante y pegadizo falsete de Everlasting Light o qué sé yo, cualquier otra porque escogiese lo que escogiese uno sólo podría acertar. 15 canciones, 15 temazos.

Si tuviese que aconsejar a alguien sobre  un disco en el que dejarse los cuartos, yo no tengo dudas de cuál recomendaría.

Sin embargo, sólo un año después todo era completamente distinto. Joan Jett era ya toda una rockera y se había convertido en la Gran Dama del Rock que inspiraria a toda una generación de rockers femeninas. La clave de todo ello es evidente: los éxitos de Bad Reputation y , sobre todo, de su mitiquísimo cover del I Love Rock And Roll.

La historia de este himno resulta un tanto peculiar puesto que, pese a lo que muchos creen, en realidad no era obra de Joan Jett sino de The Arrows, una fugaz y semidesconocida banda de mediados de los 70′s. La RAK Racords, discográfica que publicaba los discos de los Arrows, no pudo darle a la canción la suficiente promoción y el tema pasó prácticamente desapercibido para el gran público. Joan Jett escuchó por primera vez I Love Rock And Roll en 1976 durante una magnífica actuación televisiva de The Arrows en su propio show televisivo.

Entre esa actuación de los Arrows y la versión de Joan Jett And The Heartbreakers pasaron 6 años. En ese periodo de tiempo (en 1979, concretamente) Joan Jett ya había tocado una primera versión del I Love Rock And Roll con Steve Jones y con Paul Cook, miembros de los Sex Pistols. Eran sus dificilísimos primeros pasos como solista y esta versión permaneció prácticamente inédita hasta 1993 con la publicación de Flashback, el disco de rarezas de la auténtica Reina del Rock

Angus Young, con su uniforme escolar, con su diadema de cuernos, con su Duck Walk (heredado de Chuck Berry y de Peter Townshend), con su convulsivo e hiperactivo sentido del espectaculo, pero sobre todo con sus contundentes y espectaculares riffs y sus demoledores solos, es la base sobre la que se sustenta el sonido (y la estética) de AC/DC. Bon Scott aporta a la banda garra, carisma y una voz desgarrada y desgarradora.

El éxito de canciones como Highway to Hell, Girls Got Rythm, If Yoy Want Blood, Beating Around The Bush o Night Prowler obliga al gran público a repasar su discografía anterior y a volver a entonar los primeros éxitos de la banda: Jailbreak, The Jack, TNT,  Whole Lotta Rosie, Riff Raff, High Voltage, …

Sin embargo, en Febrero de 1980, apenas unos meses después de la publicación del superexitoso Highway To Hell, Bon Scott muere tras una monumental borrachera. El golpe para la banda es brutal. La opinión general es que les será imposible levantarse de algo así. La respuesta de AC/DC es de una contundencia abrumadora: Back In Black, el segundo disco más vendido de la historia de la música y que incluye auténticos clasicazos como Hell Bells, You Shook Me All Night Long o Back In Black. Ni antes ni después de AC/DC ha habido otra banda que haya superado la muerte de su frontman. Ninguna. Pura épica.

Jamás se le reconocerá a Brian Johnson todo su mérito. Llega para sustituir a un martir del Rock. Le iguala en el registro, le supera en técnica y se niega a compararse en cuanto a carisma. Desde el primer momento asume su rol sin mayores pretensiones, perfectamente consciente de que para el fan nostálgico, para el gran público, para la historia, el gran vocalista de AC/DC siempre será Bon Scott.

En 1945, año de nacimiento de Bob Marley, esa función de portavoz de los oprimidos se realiza a través del Calipso y del Mento. En generaciones y décadas posteriores serán, sucesivamente, el Ska, el Rocksteady y el Reggae quienes recogeran el testigo y se convertirán en canalizadores del pensamiento popular. Al igual que pasa con el Rythm&Blues o con el Rock&Roll en los USA, esta música que surgirá de los guetos más marginales será catalogada por los gobernantes de las islas como perjudicial, inmoral y peligrosa.

Será  Trenchtown, uno de los guetos más míseros de Kingston, el lugar del que emerjan unos Rude Boys llamados The Wailers, con Bob Marley al frente, para provocar una auténtica revolución que aportará relevancia y notoriedad internacional al Reggae y que convertirá al propio Bob Marley en un auténtico mito multidimensional que servirá de inspiración a bandas tan dispares y tan ajenas al Reggae como The Police o The Clash.

Bob Marley murió a los 36 años, durante una gira por los USA, víctima del cáncer, convertido en toda una estrella del Reggae, en un icono cultural, en un símbolo de la lucha política y de la reivindicación social, en profeta y mártir de una religión un tanto peculiar. Sin ser lo que se dice un gran cantante, tenía una de esas voces que calan muy hondo, como la de Marvin Gaye. Logró masificar el Reggae y utilizarlo para describirle al mundo, con sus melodías pegadizas y divertidas y la característica melancolía y sensibilidad de sus textos, cómo el infierno puede llegar a convertirse en algo tan trágicamente cotidiano que uno llega a acostumbrarse y a convivir con él con absoluta resignación.

Stirt It Up, I Shot The Sheriff, Get Up Stand Up, One Love, Could You Be Loved?, Iron Lion Zion, Is This Love?, No Woman No Cry, The Redemption Song, (que en un principio iba a ser el título que encabezase este post),  Buffalo Soldier, … la música de Bob Marley se ha convertido en una lista interminable de himnos universales que ya pertenecen a la cultura popular universal.

El cáncer no consiguió detener su leyenda, todo lo contrario. Al igual que con pasa con los Elvis, Lennon, Hendrix, Morrison o Janis,  la muerte no hizo más que agigantar su figura hasta límites que a veces traspasaban la línea de lo ridículo. El New York Times le nombró El Artista Más Influyente De La Segunda Mitad Del S.XX, La revista Time considera que Exodus es el mejor disco del siglo pasado. La BBC le adjudicó a One Love el título de Himno del S.XX… Parece ser que más de uno decidió homenajear a Bob Marley dando unas caladitas.

¡Viva la inspiración!

Nacieron en el ’82, tratando de mimetizarse con el New Wave dominante pero el suyo no fue un inicio especialmente brillante. Su debut, Soda Stereo, es un disco  de ritmos facilones y pegadizos mezclando una fuerte influencia de bandas como The Police y de The Cure con los ritmos Pop frescos, desenfadados y extra-horteras que triunfaban en España y Latinoamérica. ¿A destacar? Sobredosis de TV, Trátame Suavemente,… y poquito más.

La cosa mejoraría (y mucho) con Nada Personal. Ahí Cerati, Charly Alberti y Zeta Bosio alcanzarían la categoría de estrellas a nivel latino  (con histórica macrogira por todo el continente incluída). Pero aún serían dos años más tarde, con Signos, que descubrimos a los Soda Stereo que todos tenemos en mente: los Soda Stereo que ya se han olvidado de Sting y de Robert Smith (y también de los Hombres G y demás calaña musical por el estilo que marcaban el mainstream latino a mediados de los 80′s). Acá ya nos encontramos con el sonido con el sonido tan personal y tan fácilmente reconocible de la banda. Este disco no sólo marca el inicio del camino hacia la madurez de los Soda Stereo sino que se convierte en un disco de referencia para muchas bandas de Rock latino como Héroes del Silencio, Café Tacuba o Caifanes que iniciarán el gran despertar del Rock en español a través de esa senda abierta por los elaborados y sublimes textos de Cerati que hasta entonces parecía totalmente intransitable.

Con Signos los Soda Stereo comienzan una etapa espectacular que continuaría con el espectacular y revolucionario Doble Vida, que alcanza la gran cumbre en 1991 con Canción Animal (probablemente el mejor disco de Rock en castellano de todos los tiempos, ahí es nada) y que se cerrará con el magnífico y hetéreo Dynamo. Tras de si dejan un reguero de éxitos inmortales: Persiana Americana, De Música Ligera, Prófugos, Zoom, Cuando Pase el Temblor, Hombre al Agua, Té Para Tres, Un Millón de Años Luz, (En) El Séptimo Día, … y toda una lista interminable de monstruos del Rock en español.

Son muchos los que se hartan de comparar a Soda Stereo con los Beatles y de considerarlos como “los-Beatles-Latinos”. No, perdonen. Dejémonos de herejías. Los Beatles son los Beatles y Soda Stereo es Soda Stereo. Nada que ver. Los Soda Stereo lograron un sonido tan característico, tan definido y tan MAGNÍFICO que merecen ser una referencia por si mismos y que exageremos la valía de otras bandas llamándolos “los-nuevos-Soda-Stereo” o “los-Soda-Stereo-españoles” o algo por el estilo.

Volveremos a ver a Soda Stereo por acá. Volveremos a vernos, Cerati.

]]> http://lasmejorescancionesdelahistoria.wordpress.com/2010/09/29/capitulo-47-soda-stereo-de-musica-ligera/feed/ 4 marlaior Soda Stereo http://lasmejorescancionesdelahistoria.wordpress.com/2010/08/29/capitulo-46-elvis-presley-hound-dog/ http://lasmejorescancionesdelahistoria.wordpress.com/2010/08/29/capitulo-46-elvis-presley-hound-dog/#comments Sun, 29 Aug 2010 16:37:16 +0000 marlaior http://lasmejorescancionesdelahistoria.wordpress.com/?p=1377 ]]> Bill Halley, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Chuck Berry, Ritchie Valens, Elvis Presley,… son algunas de las primeras estrellas del Rock&Roll. Saquean el repertorio de los viejos bluesmen, imitan su vestimenta y su actitud y provocan un auténtico shock en la sociedad conservadora norteamericana. La supremacía de la música negra, los primeros conciertos interraciales, los contoneos de Elvis, las claras connotaciones sexuales del nuevo estilo musical, la actitud rebelde que implica… es mucho más de lo que la sociedad está dispuesta a tolerar. Desde el principio el Rock&Roll es considerado como un ejemplo de intrusismo de la comunidad negra que consigue adeptos entre una parte de la juventud que no sabe lo que quiere pero si lo que no quiere. El Rock&Roll divide, choca, perturba, agita a ese público ya de por si tumultuoso, desordenado e incapaz de escuchar música sentado en una butaca. Definitivamente, el Rock&Roll es peligroso.

No es un comienzo fácil. El Rock&Roll es es demasiado joven. En nombre del show business los empresarios que dirigen el cotarro logran que el country sustituya al blues como fuente de inspiración del R&R, perdiendo éste toda la fuerza y el espíritu rebelde que pretende encarnar. Roy Orbison y los Everly Brothers representan la versión amable  del Rock. Jerry Lee Lewis y Chuck Berry se ven envueltos en sendos escándalos que condicionarán sus carreras. Jóvenes como Ritchie Valens, Budy Holly o Eddie Cochran se convierten en los primeros mártires.

Elvis Presley personifica todos estos altibajos del R&R. En 1955 su música es considerada obscena, vulgar y negra. En muchos lugares de los USA se prohiben sus conciertos. El cine tiene a Marlon Brando y a James Dean encarnando el espíritu rebelde y atormentado de la juventud de la época. En la música los jóvenes se postran a los pies de un Elvis provocador que se convierte en el primer y máximo exponente del Rockabilly y que en sus discos juega con el equívoco y la ambigüedad mezclando a partes iguales música negra y blanca. Heartbreak Hotel, Hound Dog, Money Honey, Jailhouse Rock, son algunos de los éxitos de este Elvis temprano, anterior y diferente al que en 1958 regresará del servicio militar envuelto en una edulcolorada aureola de respetabilidad.